(CNA/InfoCatólica) Como el proverbial gran autobús rojo de Londres, uno espera mucho tiempo una exposición de interés católico y llegan dos al mismo tiempo. Desde el día de ayer, la mitad de los cuatro grandes museos londinenses se centran en la cultura católica, y ambas exposiciones son novedosas para sus sedes.
La exposición del Victoria and Albert Museum «Donatello: Esculpir el Renacimiento», abierta hasta el 11 de junio, es la primera del Reino Unido centrada en este pionero del Renacimiento italiano del siglo XIV. Puede que el título de la exposición se refiera únicamente a Donatello, pero también se exponen obras de numerosos contemporáneos y seguidores.
La otra exposición, «España y el mundo hispánico», en la Royal Academy of the Arts hasta el 10 de abril, explora el arte de España y sus antiguas colonias en el Nuevo Mundo, todo ello por cortesía de la Hispanic Society of America. Con sede en Nueva York, es el mayor repositorio que existe de la cultura española en todos los continentes.
El arte sacro de Donatello
El Victoria and Albert Museum se inclina más por superproducciones poco convencionales como «A Brief History of Underwear» (2017) y «Fashioning Masculinities» (2022). Abordar la escultura renacentista es inusual a pesar del entusiasmo mostrado por sus fundadores, la Reina Victoria y el Príncipe Alberto. Victoria nunca fue a Roma, pero visitaba con frecuencia Florencia. Durante su reinado se hicieron copias de las dos estatuas del David más famosas de la ciudad: las de Donatello y Miguel Ángel. Aunque la escultura de Donatello fue una de las pocas que creó que podría no haber cumplido las normas victorianas de modestia, la pareja real era más abierta de mente que la mayoría de la época.
La copia del siglo XIX del David de bronce de Donatello (hacia 1440) se expone en Londres, tras haber sido trasladada desde el otro extremo del museo. La última vez que el original salió de Florencia fue en 1930. En su lugar, el Victoria and Albert Museum ha conseguido la versión totalmente vestida del David (1408) de Donatello, en mármol. Es la primera obra que recibe a los visitantes de la exposición. Creada cuando Donatello tenía sólo 22 años, su naturalismo cuidadosamente compuesto prepara el escenario para las esculturas que realizó más tarde en su larga vida.
En el centro del escenario, tras el David de mármol, se encuentra un crucifijo de bronce de tamaño natural del propio Donatello, prestado por una iglesia. Esto es parte de lo que hace que la exposición sea tan notable. Muchas de las obras parecerían más apropiadas en su entorno sagrado original.
Las formas esculpidas son algo que los católicos todavía están acostumbrados a ver en misa, a diferencia de las pinturas renacentistas que en su día sirvieron a un propósito piadoso pero que durante generaciones han estado forrando las paredes de las galerías públicas. En el caso del crucifijo de Donatello, se exhibe entre dos esculturas en una composición que sugiere una reelaboración del espectáculo del Calvario. En el lugar de Dimas y el Ladrón Impenitente se encuentran las estatuas de bronce de un obispo y San Jorge.
La Virgen y el Niño tenían un significado especial para los artistas del Renacimiento. Donatello los humanizó y, en el plano técnico, dominó el arte de la perspectiva en la talla en bajorrelieve.
Las imágenes de Cristo y la Virgen María están respaldadas por una abundancia de santos. La imaginería devocional del Renacimiento se ha convertido en arte sin propósito, a diferencia de las figuras de la Antigüedad clásica que Donatello y otros resucitaron. Éstas eran divertidas y juguetonas, sin servir nunca a un propósito sagrado.
El Viejo Mundo se encuentra con el Nuevo
Para «España y el mundo hispánico», los conservadores han mostrado toda la extensión del arte español. Más de 2.000 años de esta historia son anteriores al nacimiento de Cristo. Mientras el arte cristiano comenzaba a surgir en los primeros siglos d.C., la exposición mira hacia la conquista árabe de España. Ésta pronto se convirtió en un híbrido de arte cristiano y musulmán. Desde la época de la Reconquista, los gobernantes españoles hicieron un esfuerzo concertado para promover el catolicismo. Estas obras de profundo poder y misticismo constituyen el núcleo de la exposición.
Sin embargo, hay interludios seculares, como el siempre popular Francisco Goya. Éste era un devoto creyente frecuentemente decepcionado por las acciones de la Iglesia y el clero. Aquí no se expone ninguna de sus obras anticlericales. Tampoco las hay de los artistas que componen la otra mitad de la exposición.
Allá donde iban los colonizadores españoles y portugueses, les seguían los misioneros. La sección Mundo Hispánico de esta exposición ofrece a los visitantes la gloria inmaculada del arte católico adaptado a un nuevo público.
Los únicos crucifijos expuestos son del Viejo Mundo, en metal precioso monocromático. Otra cosa son los cuadros. Ya sean españolas o del imperio español, son intensas y profundamente espirituales. Curiosamente, no hay imágenes pintadas de la crucifixión.
En cambio, los temas van desde la austeridad dolorosa de San Pedro de Alcántara y Santa Teresa (Bolivia, década de 1720) hasta la Inmaculada Concepción, con María rodeada de una profusión de ángeles querubines (México, 1640). En España, las tortuosas figuras de El Greco de finales del siglo XVI se prolongan 300 años después en un cuadro de Ignacio Zuloaga que muestra a un grupo de penitentes portando una imagen de Cristo tan viva y severa que parece recién bajada de una cruz.
El lado ascéticamente espiritual de España se ve en «San Jerónimo penitente» de El Greco, hacia 1600. Detrás del santo se ve el galero de un cardenal menos ascético. La obra es un préstamo de la Hispanic Society of America. Foto de Lucien de Guise
El lado ascéticamente espiritual de España se ve en «San Jerónimo penitente» de El Greco, hacia 1600. Detrás del santo se ve el galero de un cardenal menos ascético. La obra es un préstamo de la Hispanic Society of America. Fotografía de Lucien de Guise
Faltan representaciones de la que podría ser la imagen cristiana más reproducida de todas: Nuestra Señora de Guadalupe. El original no es, por supuesto, de mano humana. El converso azteca Juan Diego recibió el manto divinamente decorado de la mismísima Virgen María en 1531. El tejido contiene símbolos de creencias precristianas, como la luna creciente bajo los pies de la Virgen, que representa el triunfo de la luz y la bondad sobre el antiguo dios azteca de la oscuridad.
Tanto el Victoria and Albert Museum como la Royal Academy recuerdan que el catolicismo era una religión comprometida con la estimulación visual, especialmente para los que no sabían leer. Ya se tratara de la antigüedad romana o de la América Latina anterior a la conquista, la Iglesia universal fue lo bastante pragmática como pa
